« Mon grand frère et moi » - Film de Rvôta Nakano

 

Le cinéma japonais possède cet art rare d’explorer les failles humaines avec une infinie subtilité. Ce film en est une très belle illustration.

Riko se retrouve chargée des funérailles de son frère avec lequel elle était fâchée. Alors qu’elle se montre presque indifférente à sa disparition, elle va peu à peu le découvrir vraiment. Au fil des souvenirs, des silences et de petites révélations, un homme se recompose, différent selon celui qui se souvient. C’est là toute la force du film : le disparu n’est jamais vraiment absent.

Le jeu des acteurs, d’une justesse remarquable, porte cette délicatesse sans jamais forcer l’émotion. Le récit mêle tendresse et humour discret, avance avec pudeur, sans jamais tomber dans le pathos.

Un film qui laisse une empreinte — par sa douceur, et par tout ce qu’il dit, sans le dire, de ceux qu’on perd et de ceux qu’on croyait connaître. 

Synopsis :

Entre Riko et son frère aîné, rien n’a jamais été simple. Même après sa mort, il continue de lui compliquer la vie : une pile de factures, des souvenirs embarrassants… et un fils ! Aux côtés de son ex-belle-sœur, elle traverse ce capharnaüm entre fous rires et confidences, et redécouvre peu à peu un frère plus proche qu’elle ne l’aurait cru.

« Vivaldi et moi » - Film de Damiano Michieletto

 

En ressortant de la salle, on garde de belles images en tête, comme celle de ces jeunes filles tout de rouge vêtues, embarquant sur des gondoles. Il y a dans cette scène quelque chose d’à la fois beau et resserré : la grâce, et, en dessous, la contrainte.

Damiano Michieletto nous plonge dans la Venise du xviii^e siècle, au cœur de l’Ospedale della Pietà, où vivent des orphelines vouées à la musique. Que ce soient lors des répétitions ou des concerts, le spectateur est happé par la densité qui s’en dégage.

Au centre, Cécilia, violoniste talentueuse, qui écrit en cachette à une mère qu’elle n’a jamais connue. C’est là que le film touche profondément : dans cette solitude intime et silencieuse, qui dit tout d’une époque où la liberté semblait hors de portée.

Entre Cécilia et Vivaldi se tisse une relation tout en pudeur et finesse.

La mise en scène, portée par une photographie à la bougie et des décors somptueux, renforce cette atmosphère hors du temps.

Une belle fresque intime et émouvante… 

Synopsis :

Au début du XVIIIᵉ siècle, l’Ospedale della Pietà à Venise recueille et forme de jeunes orphelines à la musique. Dissimulées au public, souvent masquées ou derrière une grille, l’orchestre de jeunes filles se produit pour les riches mécènes de l'institution. Cécilia, 20 ans, y excelle en tant que violoniste. Jusqu'au jour où l'arrivée d’un nouveau maître de musique, Antonio Vivaldi, vient bousculer sa vie et celle de l’Ospedale. 

« Plus fort que moi » - Film de Kirk Jones

 

Plus fort que moi, de Kirk Jones, est un film d’une intensité émotionnelle rare, qui touche du début à la fin. Malgré un sujet délicat, il parvient à nous emporter sans jamais nous lâcher. On suit le parcourt bouleversant de John Davidson qui, à l’âge de 14 ans, alors qu’un avenir prometteur s’ouvrait devant lui, se retrouve prisonnier de symptômes qu’il ne comprend pas – pas plus que son entourage. Le syndrome de Gilles de la Tourette est alors encore largement méconnu.

Et pourtant, grâce à des rencontres lumineuses, portées par des personnes d’une profonde humanité, John va peu à peu trouver sa place.

Si ces rencontres lui offrent une chance, c’est sa détermination et son courage qui lui permettent d’avancer.

Un film profondément humain, à voir absolument. 

 

Synopsis :

Dans les années 1980, John Davidson grandit avec le syndrome de Gilles de la Tourette, une pathologie encore largement méconnue. Entre incompréhension, stigmatisation et détermination, son parcours d’abord semé d'embûches se transforme en combat pour être reconnu tel qu’il est, au-delà des préjugés.

« Woman and Child » - Film de Saeed Roustaee

 

Woman and Child, du cinéaste iranien Saeed Roustaee, est un film d’une intensité rare.

À travers Mahnaz, infirmière et mère célibataire confrontée à un drame bouleversant, le réalisateur explore les tensions familiales et l’emprise d’un système patriarcal implacable.

Le récit avance comme un engrenage, chaque décision entraînant des conséquences tragiques, dans une montée dramatique à couper le souffle.

Parinaz Izadyar livre une interprétation puissante, habitée, oscillant entre détermination et désespoir.

La mise en scène, nerveuse et maîtrisée, capte la violence sociale autant que les silences intimes.

Dur, parfois suffocant, le film impressionne par sa force et sa précision.

Une œuvre marquante, qui confirme le talent du cinéma iranien. 

Synopsis :

Mahnaz, une infirmière de 45 ans, élève seule ses enfants. Alors qu’elle s’apprête à épouser son petit ami Hamid, son fils Aliyar est renvoyé de l’école. Lorsqu’un un accident tragique vient tout bouleverser, Mahnaz se lance dans une quête de justice pour obtenir réparation…

« À pied d’œuvre » - Film de Valérie Donzelli

 

À pied d’œuvre, de Valérie Donzelli, raconte le choix radical d’un homme qui abandonne un métier confortable pour se consacrer à l’écriture, au risque de la précarité.

À travers une mise en scène discrète, le film interroge avec finesse la quête de sens, la vocation et le prix à payer pour une certaine liberté.

De petits boulots en galères ordinaires, le quotidien du héros dessine un portrait lucide de notre société, sans jamais tomber dans le misérabilisme.

Bastien Bouillon est remarquable de sobriété et d’émotion, portant le film avec une justesse constante.

Entre légèreté et regard social, À pied d’œuvre touche par son humanité et sa sincérité.

Un film humble, actuel et profondément attachant. 

Synopsis :

À pied d’œuvre raconte l’histoire vraie d’un homme qui renonce à son métier dont il ne comprend plus le sens pour se consacrer à sa véritable passion, l’écriture. Mais être publié ne veut pas dire gagner sa vie…

« Nuremberg » - Film de James Vanderbilt

 

Nuremberg, réalisé par James Vanderbilt, s’attache au face-à-face glaçant entre le psychiatre Douglas Kelley et Hermann Göring, au cœur des procès de 1945.

La confrontation est impressionnante : le mal s’y révèle charmeur, manipulateur, d’une redoutable intelligence.

Russell Crowe dévore l’écran en Göring, tout en narcissisme et menace feutrée, face à un Rami Malek tout en tension contenue.

La mise en scène, sobre et rigoureuse, place le spectateur en témoin plus qu’en juge.

Entre images d’archives et joute psychologique, le film rappelle que la barbarie se combat aussi par le droit.

Un film dense, troublant, nécessaire — dont l’écho résonne puissamment aujourd’hui. 

Synopsis :

1945. Il est temps d’instruire le procès du régime nazi à Nuremberg. Le psychiatre américain Douglas Kelley doit évaluer la santé mentale des dignitaires du IIIᵉ Reich. Face au manipulateur Hermann Göring, il se retrouve pris dans un rapport de force. S'ouvre alors un duel avec le mal absolu.

« Le mage du Kremlin » - Film d’Olivier Assayas

 

Le Mage du Kremlin, d’Olivier Assayas, est une fresque ample et fascinante qui traverse près de trente ans d’histoire russe, de la chute de l’URSS à l’affirmation d’un pouvoir autoritaire.

Le film suit l’ascension de Vadim Baranov, conseiller de l’ombre, stratège des images et des discours, figure centrale d’un système où la manipulation devient un art.

Plus qu’un portrait de Vladimir Poutine — interprété par Jude Law —, le récit s’attache à ceux qui façonnent le pouvoir en coulisses.

Paul Dano est remarquable de précision et de froideur contenue dans un rôle complexe, tandis qu’Alicia Vikander apporte une respiration sensible, presque hors du système.

La mise en scène d’Assayas, rigoureuse et sombre, capte les lieux, les silences et les stratégies avec une rare acuité.

Entre fiction et réalité, le film brouille volontairement les frontières, laissant le spectateur face à ses propres questionnements.

Dense, captivant, parfois glaçant, Le Mage du Kremlin éclaire les mécanismes du pouvoir moderne.

Une œuvre exigeante et passionnante, qui résonne fortement avec notre actualité. 

Synopsis :

Russie, dans les années 1990. L’URSS s’effondre. Dans le tumulte d’un pays en reconstruction, un jeune homme à l’intelligence redoutable, Vadim Baranov, trace sa voie. D’abord artiste puis producteur de télé-réalité, il devient le conseiller officieux d’un ancien agent du KGB promis à un pouvoir absolu, le futur « Tsar » Vladimir Poutine.

Plongé au cœur du système, Baranov devient un rouage central de la nouvelle Russie, façonnant les discours, les images, les perceptions. Mais une présence échappe à son contrôle : Ksenia, femme libre et insaisissable, incarne une échappée possible, loin des logiques d’influence et de domination.

Quinze ans plus tard, après s’être retiré dans le silence, Baranov accepte de parler. Ce qu’il révèle alors brouille les frontières entre réalité et fiction, conviction et stratégie. Le Mage du Kremlin est une plongée dans les arcanes du pouvoir, un récit où chaque mot dissimule une faille.

« Rebuilding » - Film de Max Walker Silverman

 

Un film délicat sur la reconstruction, intime autant que matérielle. Le ranch de Dusty a été ravagé par les flammes : comment surmonter un tel drame ? Désormais seul, il tente de renouer avec sa fille, dont les liens se sont peu à peu délités. Il trouve refuge dans un campement de mobil-homes improvisé, où une communauté se forme, fragile mais solidaire, chacun essayant de redonner sens à sa vie.

Porté par un Josh O’Connor bouleversant de retenue, le film brille aussi par l’extrême justesse de tous les acteurs, et notamment par la petite Lily La Torre, formidable de naturel et d’émotion.

Avec sa mise en scène minimaliste, sa photographie de toute beauté du Colorado et cette humanité qui circule dans les gestes simples, Rebuilding est une œuvre sensible, lumineuse et profondément humaine.

Un film qui fait du bien, et que j’ai vraiment beaucoup aimé. 

Synopsis :

Dans l’Ouest américain, dévasté par des incendies ravageurs, Dusty voit son ranch anéanti par les flammes. Il trouve refuge dans un camp de fortune et commence lentement à redonner du sens à sa vie. Entouré de personnes qui, comme lui, ont tout perdu, des liens inattendus se tissent. Porté par l’espoir de renouer avec sa fille et son ex-femme, il retrouve peu à peu la volonté de tout reconstruire. 

« La condition » - Film de Jérôme Bonnel

 

La Condition, de Jérôme Bonnell, est le portrait subtil de deux femmes que tout oppose mais que le destin réunit sous le même toit, en 1908. Céleste, jeune bonne, et Victoire, épouse bourgeoise en décalage avec le rôle qu’on attend d’elle, évoluent dans une maison où les silences disent plus que les mots.

Avec une mise en scène élégante, le film explore les rapports de domination sociale et masculine avec une finesse remarquable. Les acteurs sont tous d’une grande justesse : Louise Chevillotte et Galatéa Bellugi impressionnent, tandis que Swann Arlaud incarne avec trouble et ambiguïté une masculinité toute-puissante.

Sans jamais juger ses personnages, le film interroge sur ce que cela signifie d’être prisonnier de son rang, de son sexe, de son époque.

Un film délicat. 

Synopsis :

C’est l’histoire de Céleste, jeune bonne employée chez Victoire et André, en 1908. C’est l’histoire de Victoire, de l’épouse modèle qu’elle ne sait pas être. Deux femmes que tout sépare mais qui vivent sous le même toit, défiant les conventions et les non-dits.

« Les enfants vont bien » - Film de Nathan Ambrosioni

 

Lorsque Jeanne comprend que sa sœur Suzanne, débarquée à l’improviste avec ses enfants, ne reviendra pas, commence alors pour elle – et pour les enfants – un chemin d’apprivoisement, de doutes et de nouvelles habitudes à inventer.

Camille Cottin y est remarquable de justesse, tout comme les deux jeunes acteurs, Manoâ Varvat et Nina Birman, impressionnants de naturel.

La mise en scène, simple et fluide, laisse affleurer les émotions sans jamais les souligner.

Entre rire, gravité et moments suspendus, Les enfants vont bien dessine une chronique familiale touchante, où l’on parle d’absence et de liens qui se tissent malgré la douleur.

Un film sincère, doux et profondément humain. 

Synopsis :

Un soir d'été, Suzanne, accompagnée de ses deux jeunes enfants, rend une visite impromptue à sa sœur Jeanne. Celle-ci est prise au dépourvu. Non seulement elles ne se sont pas vues depuis plusieurs mois mais surtout Suzanne semble comme absente à elle-même. Au réveil, Jeanne découvre sidérée le mot laissé par sa sœur. La sidération laisse place à la colère lorsqu'à la gendarmerie Jeanne comprend qu'aucune procédure de recherche ne pourra être engagée : Suzanne a fait le choix insensé de disparaître…

« Valeur sentimentale » - Film de Joachim Trier

 

Un film subtil et émouvant sur les retrouvailles d’un père cinéaste avec ses deux filles, des années après avoir déserté leur enfance. Entre silences, blessures enfouies et liens jamais tout à fait rompus, Joachim Trier explore avec délicatesse la mémoire familiale. La maison devient un personnage à part entière, témoin d’un passé commun.

Les comédiens sont remarquables, tout en justesse et en retenue.

Un film pudique et touchant, porté par une mise en scène élégante et une grande humanité. 

Synopsis :

Agnès et Nora voient leur père débarquer après de longues années d’absence. Réalisateur de renom, il propose à Nora, comédienne de théâtre, de jouer dans son prochain film, mais celle-ci refuse avec défiance. Il propose alors le rôle à une jeune star hollywoodienne, ravivant des souvenirs de famille douloureux. 

« La venue de l’avenir » - Film de Cédric Klapisch

 

À travers l’héritage d’une maison abandonnée, quatre cousins éloignés remontent le fil d’une histoire familiale jusqu’au Paris de 1895.

Le film tisse avec finesse les liens entre les époques, mêlant quête intime, art et mémoire collective.

Grâce à la fluidité des transitions temporelles et son esthétique soignée, cette fresque se révèle captivante.

Une belle réussite, émouvante et poétique, sur la filiation, l’héritage et le sens qu’on donne à l’avenir. 

Synopsis :

Aujourd’hui, en 2025, une trentaine de personnes issues d’une même famille apprennent qu’ils vont recevoir en héritage une maison abandonnée depuis des années. Quatre d'entre eux, Seb, Abdel, Céline et Guy sont chargés d’en faire l'état des lieux. Ces lointains "cousins" vont alors découvrir des trésors cachés dans cette vieille maison. Ils vont se retrouver sur les traces d'une mystérieuse Adèle qui a quitté sa Normandie natale, à 20 ans. Cette Adèle se retrouve à Paris en 1895, au moment où cette ville est en pleine révolution industrielle et culturelle. Pour les quatre cousins, ce voyage introspectif dans leur généalogie va leur faire découvrir ce moment si particulier de la fin du XIXe siècle où la photographie s'inventait et l’impressionnisme naissait. Ce face à face entre les deux époques 2025 et 1895 remettra en question leur présent et leurs idéaux et racontera le sens de : La venue de l’avenir.

« Vermiglio ou la mariée des montagnes » - Film de Maura Delpero

 

Vermiglio ou la mariée des montagnes nous plonge dans l’hiver 1944, au cœur d’un village isolé du Trentin. L’arrivée d’un jeune soldat bouleverse la vie d’une famille et d’une communauté marquée par la guerre, l’âpreté du quotidien et la force des liens.

Maura Delpero signe un film lent, poétique, d’une beauté visuelle saisissante. Au fil des saisons, se dessine le portrait d’une société patriarcale où les femmes, courageuses et silencieuses, portent l’espoir.

Servi par des acteurs justes et une mise en scène délicate, ce récit mêle amour, tradition, et résistance intime. Un hommage sensible à une terre rude et magnifique. 

Synopsis :

Au cœur de l’hiver 1944. Dans un petit village de montagne du Trentin, au nord de l'Italie, la guerre est à la fois lointaine et omniprésente. Lorsqu'un jeune soldat arrive, cherchant refuge, la dynamique de la famille de l'instituteur local est changée à jamais. Le jeune homme et la fille aînée tombent amoureux, ce qui mène au mariage et à un destin inattendu… 

« Berlin, été 42 » - Film d’Andreas Dresen

 

Dans une Allemagne en guerre, Hilde et Hans s’aiment et résistent. Inspiré de faits réels, le film d’Andreas Dresen retrace le destin d’Hilde Coppi, jeune militante de « l’Orchestre rouge », un réseau de résistance clandestin.

Entre passé lumineux et présent sombre, le récit alterne les temporalités pour mieux souligner la fragilité de cette jeunesse sacrifiée.

Sobre et poignant, Berlin, été 42 rend hommage à ceux qui ont osé défier l’Histoire jusqu’au bout.

On ressort de la séance bouleversé… 

Synopsis :

Berlin, été 42, alors que la guerre fait rage, Hilde rencontre Hans. Elle tombe amoureuse de lui et s’engage à ses côtés dans une lutte clandestine contre les nazis… Le temps d’un été, Hilde vivra l’exaltation d'une jeunesse qui refuse de subir l’Histoire, une jeunesse prête à mourir pour ses idées. 

« À bicyclette » - Film documentaire de Mathias Mlekuz

 

En selle pour un voyage à la fois physique et intérieur, À bicyclette suit Mathias Mlekuz et son ami Philippe Rebbot sur les traces de Youri, fils disparu trop tôt. Entre rires et larmes, ce documentaire poignant est un hommage vibrant à l’amour paternel, à l’amitié et à la beauté des rencontres.

De l’Atlantique à la mer Noire, leur périple se transforme en une quête de sens, portée par l’émotion et une tendre humanité.

Un film inoubliable, où le deuil se mêle à la vie avec une grâce rare.

Un road trip bouleversant 

Synopsis :

De l’Atlantique à la mer Noire, Mathias embarque son meilleur ami Philippe dans un road trip à bicyclette. Ensemble ils vont refaire le voyage que Youri, son fils, avait entrepris avant de disparaitre tragiquement. Une épopée qu’ils traverseront avec tendresse, humour et émotion. 

« The Brutalist » - Film de Brady Corbet

 

Avec The Brutalist, Brady Corbet signe une fresque cinématographique monumentale. Ce film de trois heures trente, entrecoupé d’un entracte de quinze minutes, suit László Tóth, un architecte hongrois réfugié aux États-Unis après la guerre, confronté aux compromis imposés par son mécène.

Visuellement impressionnante, cette épopée offre une photographie soignée et une mise en scène maîtrisée. Adrien Brody, dans le rôle principal, livre une performance habitée, soutenue par un casting impeccable. Pourtant, malgré ces qualités, le film, par son rythme étiré, peut sembler long parfois.

Inspiré par des figures du brutalisme comme Ernő Goldfinger et Marcel Breuer, The Brutalist interroge la création face aux contraintes du pouvoir. Une œuvre ambitieuse, marquante par sa forme et son atmosphère, même si elle ne fera pas l’unanimité. 

Synopsis :

Fuyant l’Europe d’après-guerre, l’architecte visionnaire László Tóth arrive en Amérique pour y reconstruire sa vie, sa carrière et le couple qu’il formait avec sa femme Erzsébet, que les fluctuations de frontières et de régimes de l’Europe en guerre ont gravement mis à mal.

Livré à lui-même en terre étrangère, László pose ses valises en Pennsylvanie où l’éminent et fortuné industriel Harrison Lee Van Buren reconnaît son talent de bâtisseur. Mais le pouvoir et la postérité ont un lourd coût.

« Bridget Jones : folle de lui » - Film de Michael Morris

 

Bridget Jones est de retour, plus touchante que jamais. Quatre ans après la disparition de Mark Darcy, elle élève seule ses deux enfants et tente de retrouver goût à l’amour. Entre rires et émotions, ce quatrième opus reprend avec brio les ingrédients qui ont fait le succès de la saga : autodérision, romantisme et situations cocasses.

Renée Zellweger incarne une Bridget fidèle à elle-même, attachante et maladroite, tandis que Hugh Grant fait un retour remarqué. Si le scénario reste prévisible, il séduit par sa sincérité et son humour so british. Un film réconfortant, idéal pour s’évader le temps d’une séance et ressortir avec le sourire. 

Synopsis :

Bridget Jones a cinquante-deux ans et deux enfants. Après le décès de Mark Darcy, avec qui elle a vécu dix ans de bonheur, elle est à nouveau en quête de l'homme idéal. Mais ce n'est pas si facile de se remettre sur le marché du célibat. Les mésaventures de Bridget n'ont rien perdu de leur piquant ! 

« Sing Sing » - Film de Greg Kwedar

 

Inspiré d’une histoire vraie, Sing Sing de Greg Kwedar nous plonge dans la prison du même nom, où des détenus trouvent dans le théâtre un moyen de se reconstruire. Divine G, incarcéré à tort, y découvre une échappatoire, tandis que l’arrivée inattendue de Divine Eye bouleverse l’atelier. Porté par un casting en grande partie composé d’anciens détenus, dont Clarence Maclin, et sublimé par la performance de Colman Domingo, le film est une ode à la réhabilitation par l’art. Évitant les clichés du drame carcéral, il alterne entre dureté et bienveillance avec une justesse remarquable.

Un récit puissant qui rappelle que l’art peut offrir une seconde chance.

Film coup de poing, film coup de cœur… 

Synopsis :

Incarcéré à la prison de Sing Sing pour un crime qu’il n’a pas commis, Divine G se consacre corps et âme à l’atelier théâtre réservé aux détenus. À la surprise générale, l’un des caïds du pénitencier, Divine Eye se présente aux auditions…

« Hiver à Sokcho » - Film de Koya Kamura

 

À Sokcho, petite ville côtière engourdie par l’hiver, les âmes se cherchent et se confrontent. Soo-Ha, jeune franco-coréenne hantée par l’absence de son père, croise Yan Kerrand, un dessinateur français taciturne. Entre ces deux solitudes naît une relation fragile, nourrie de non-dits et d’observations silencieuses.

Adaptant le roman d’Elisa Shua Dusapin, Koya Kamura signe un premier long-métrage d’une grande délicatesse. La poésie visuelle des paysages enneigés enrichit ce récit introspectif sur l’identité et la quête de soi. 

Porté par Bella Kim et Roschdy Zem, Hiver à Sokcho est un voyage intérieur d’une beauté saisissante.

Film à voir en VO, même si les deux acteurs principaux échangent en français, le coréen y ajoute une authenticité essentielle. 

Synopsis :

À Sokcho, petite ville balnéaire de Corée du Sud, Soo-Ha, 23 ans, mène une vie routinière, entre ses visites à sa mère, marchande de poissons, et sa relation avec son petit ami, Jun-oh. L’arrivée d’un Français, Yan Kerrand, dans la petite pension dans laquelle Soo-Ha travaille, réveille en elle des questions sur sa propre identité et sur son père français dont elle ne sait presque rien. Tandis que l’hiver engourdit la ville, Soo-Ha et Yan Kerrand vont s’observer, se jauger, tenter de communiquer avec leurs propres moyens et tisser un lien fragile. 

Tout ira bien - Film de Ray Yeung

 

Titre original : All Shall Be Well

Dans Tout ira bien, Ray Yeung raconte avec délicatesse l’histoire d’Angie, endeuillée par la perte soudaine de sa compagne Pat après 30 ans de vie commune. Face à une famille qui la rejette lorsqu’il est question d’héritage, Angie lutte pour trouver sa place dans une société où les unions homosexuelles restent non reconnues.

Le film aborde avec sensibilité des thèmes rares : l’homosexualité chez les personnes âgées, les hypocrisies sociales, et le poids des traditions patriarcales à Hong Kong. À travers une mise en scène sensible, Ray Yeung dévoile un Hong Kong authentique.

Touchant et universel, Tout ira bien expose avec grâce la fragilité des liens humains face au deuil et aux questions de succession, tout en célébrant la résilience de l’amour.

Une œuvre à ne pas manquer.

 

Synopsis :

Angie et Pat vivent le parfait amour à Hong Kong depuis plus de 30 ans. Jamais l’une sans l’autre, leur duo est un pilier pour leurs parents et leurs amis.

Au brusque décès de Pat, la place de Angie dans la famille se retrouve fortement remise en question…